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¿Quienes somos y de que se trata este proyecto?

¡Hola! :D Ruta de Escape es una ídea original de Fernanda Siabatto, Erick EBR y Luisa Santamaria quienes a principios de 2015 se enco...

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EL PLAN


Presentación del Proyecto:
Teatro Ruta de Escape es una idea original de Fernanda Siabatto, Erick EBR y Luisa Santamaria quienes a principios de 2015 se encontraron en Red House Club (Bogotá, Colombia) y empezaron a dialogar sobre la necesidad de retomar y construir espacios propios, creativos y culturales alrededor del teatro y otras artes escénicas con un carácter no lucrativo y para satisfacer una necesidad de hacer arte muy importante en sus vidas.

Objetivo General:
Crear una compañía de teatro en la cual se desarrollen obras de diferentes tipos y ámbitos, para promover el esparcimiento, el goce, la libre expresión, la imaginación y el crecimiento artístico y espiritual, tanto de los participantes del proyecto como de su público, por medio de la práctica y la investigación de este arte. 

Objetivos Específicos:
  • Desarrollar obras de teatro de diversos géneros.
  • Hacer presentaciones periódicamente en diferentes espacios.
  • Hacer investigación acerca de este arte y compartir los resultados de esta labor.
  • Generar espacios y momentos de esparcimiento y educación teatral para los miembros del proyecto, como asistir a presentaciones de teatro y/o artes escénicas.
  • Compartir ideas y emociones, para hacer creaciones de texto propias y generar retroalimentación.
  • Establecer relaciones sin jerarquías (horizontales y descentralizadas) entre los miembros del proyecto.
  • Promover una Economía Basada en Recursos por medio del teatro y artes escénicas similares.
Bitácora del Proyecto
Buscando generar memorias del presente proyecto hemos creado una subsección en nuestra web por medio de la etiqueta "bitacora" en las publicaciones que hacen alusión a las actividades propias y actividades programadas para aprender, ensayar, entrenar o experimentar.

TODA LA BITÁCORA AQUÍ (orden cronológico descendente)

BITÁCORA POR AÑOS:
  • 2017
  • 2016
  • 2015

Metodología
Para hacer teatro existen diferentes técnicas y métodos que obedecen a los objetivos de los actores y miembros de una corporación o proyecto teatral, para el caso del presente proyecto y su amplitud, en teoría el mismo estaría pensado para usar o basarse en todas las formas posibles o necesarias de teatro y que además obedezcan a las circuntancias o deseos de sus miembros, no obstante a continuación se presentaran los más relevantes y preferidos por los gestores de Teatro Ruta de Escape:

  • El Sistema de Stanislavski
    Konstantin Stanislavski (1863-1938) creó el archiconocido método de una forma muy natural. Fue en su formación como actor en la que comenzó a observar y preguntarse. Observaba las enseñanzas de sus maestros y tomaba nota de ellas. A través de las mismas se fue dando cuenta de dónde provenían los impedimentos que, tanto él como sus compañeros de profesión, tenían en el día a día de los ensayos, en su camino como actores.

    Le llevó toda la vida realizar “el manual”, como actor y como director. En él expone los elementos que consideraba claves: la relajación, la concentración, la memoria emocional, las unidades, los objetivos y los superobjetivos. Llegó a ello tras una vida de investigación y búsqueda desde la práctica.

    Resulta curioso cómo a lo largo del tiempo este método de investigación, esta propuesta de proceso actoral, ha influido y sigue vigente en tantas escuelas de todo el mundo.

    Cuando, a finales del siglo XIX comenzó con ello, no podía imaginar que iba a influir tanto. En sus propias palabras, tras años de investigación, el autor aseguraba: “Mi sistema es el resultado de búsquedas de toda la vida…he tratado de encontrar un método de trabajo para actores que les permita crear la imagen de un personaje, insuflándole la vida interior de un espíritu humano, y a través de medios naturales, encarnarlo en el escenario en una bella forma artística”.

    No sólo creer que lo que se está haciendo es real, sino hacer que lo sea de un modo natural, con todo el instrumento. Es la base del método. Lo físico, lo emocional y lo intelectual, el trío de ases que pueden conducir al actor hacia la veracidad…que es lo que finalmente se busca al interpretar. Y que esa veracidad haga que el público viaje. El sistema creado por Stanislavski se diferencia radicalmente de todos los viejos sistemas teatrales, por el hecho de hallarse estructurado sobre el esclarecimiento de las causas internas que originan tal o cual resultado y no sobre el resultado final.

    El Teatro de Arte de Moscú, creado y dirigido por Stanislavski, viajó a Nueva York, en 1923. Los componentes de esta compañía habían sido formados bajo el nuevo sistema del director ruso. Richard Boleslavski y María Ouspenskaya actores del Teatro de Arte de Moscú y alumnos de Stanislavski, decidieron quedarse en Nueva York y crearon la escuela American Laboratory Theatre, aquí es donde Lee Strasberg recibe los primeros conocimientos del Sistema. Queda impresionado porque todos los actores, ya fueran mejores o peores en su ejecución, conseguían ser creíbles. Se alejaban de los clichés.

    Después, un desorientado Starasberg creó el Actor´s Studio, e hizo Historia.

    Stanislavski hizo que se plantearan cuestiones como qué era una gran actuación, o si existía una gramática de la misma que, además, pudiera ser enseñada y aprendida. Los puntos más complejos son aquellos que se referían a la inspiración, ya que no se trata de reglas inamovibles ni dogmas. Más bien, se trataba de un grupo de variables que, con práctica, se aprendían a manejar en el momento oportuno.

    Nada era desdeñable para el autor en la investigación del proceso, ni lo físico ni lo emocional ni lo mental…pero lo que queda claro, al leer sus obras, es que Stanislavski le daba gran importancia a la relajación para crear veracidad.

    Por eso creó un sistema que sirviera de puerta a la creatividad… puerta que cada artista debe abrir por sí mismo, claro…una técnica que intentara dominar las leyes naturales de la creatividad humana, con la habilidad para influir en ella y controlarla; él proponía estudiar este sistema orgánico y no sus propios descubrimientos personales como norma ineludible… también dejó escrito y dicho que la profesión conlleva el continuo movimiento, la continua investigación…es por eso que, desde entonces, se sabe que esta profesión es un estar empezando continuo…¿cómo la vida misma?

    Principios del Sistema Stanislavski
    • Concentración: Responder a la imaginación aprendiendo a pensar como el “personaje” que estamos interpretando.
    • Sentido de verdad: Diferenciar entre lo orgánico y lo artificial. Stanislavski creía que existen leyes naturales de la actuación que se deben seguir.
    • Circunstancias dadas: Desarrollando la habilidad de usar las habilidades anteriores para crear el mundo del libreto (circunstancias dadas en el texto) por medio de verdad y medios orgánicos.
    • Relajación: Eliminación de la tensión física y relajación de los músculos mientras se hacen las presentaciones.
    • Trabajar con los sentidos: Descubrir la base sensorial del trabajo; aprender a memorizar y recordar sensaciones, comúnmente llamada "memoria sensorial" y/o "memoria afectiva"; aprendiendo a trabajar desde pequeñas sensaciones, expandiéndola, técnica llamada por Stanislavski "esferas de atención".
    • Comunicación y Contacto: Sin violar el contenido del libreto desarrollar la habilidad de interactuar con otros personajes espontáneamente
    • Unidades y Objetivos: Aprender a dividir el papel o rol en unidades sensibles que puedan ser trabajadas individualmente. Desarrollar la habilidad de definir cada unidad del rol, por un deseo activo de objetivos, en lugar de una mera idea literaria.
    • Estado mental creativo: Es una culminación automática de todos los pasos previos.
    • Trabajar con el texto del libreto: Desarrollando la habilidad de descubrir el sentido social, político y artístico del texto, y viendo que esas ideas están contenidas en la actuación.
    • Lógica y credibilidad: Descubrir cómo es verdadero que la suma de objetivos combinados son consistentes y coherentes, y que ellos se encuentran en línea con el libreto como un todo.

    Otros aspectos
    • Luchar contra la palabra ampulosa. Escuchar las réplicas.
    • La naturaleza del personaje y la propia, muchas veces son contrarias, por eso el actor debe estudiar cómo pronunciar cualquier discurso sin dejarlo a la casualidad.
    • Hablar siempre con naturalidad y sinceridad.
    • Nunca hay que precipitarse, en un monólogo los silencios pueden creerse que son detenciones, pero no lo son en absoluto, son "conversaciones con el silencio” No hay una interrupción de la comunicación con el espectador. Es preferible no abusar, ya que el actor se está percatando mentalmente de lo que está hablando.
    • Cuando un actor no está capacitado lo suficiente, sin remedio alguno se pierde, deja de vivir con los sentimientos e ideas de su personaje.
    • Si el actor ve por sí mismo aquello sobre lo que debe hablar o de lo que debe convencer a su interlocutor en escena, conseguirá conquistar la atención del espectador con sus visiones, convicciones, creencias. Con sus sentimientos.
    • Al presentarse el actor ante el espectador como una persona viva de una u otra época, la más pequeña falta de autenticidad de su actitud interna o externa obligará inmediatamente a un espectador perceptivo a ponerse en guardia.
    • El actor debe aprender a visualizar los sucesos de la vida del personaje, para que así, al hablar de ellos, comunique al menos una pequeña parte de lo que sabe acerca de los mismos.
    • Los grandes actores son los que saben escuchar todo lo que ocurre en escena.
  • Método de Michael Chéjov Michael Chekhov (Chéjov) fue el alumno más aventajado de Stalisnavski, según el mismo Stalisnavski. Era sobrino de uno de los más grandes dramaturgos Antón Chekhov, también considerado como uno de los mejores escritores de relatos cortos de la historia. Con esas credenciales familiares no es de extrañar que llegase lejos.

    Su técnica difiere de la de Stalisnavski en que Chekhov desarrolló lo que denominó “Gesto Psicológico” que consiste en realizar un movimiento físico que exprese la psicología (pensamientos, sentimientos y voluntad) del personaje a interpretar.
    Su libro “Sobre la técnica de actuar” es uno de los libros más influyentes sobre interpretación y de lectura obligatoria para quien tenga ciento interés sobre el tema. Johnny Depp y Anthony Hopkins en sus entrevistas para “Inside the Actors Studio” mencionan que el libro de Chekhov ha sido una gran influencia en sus carreras.

    Chéjov y Stanislavski ansiaban un sistema más perfecto de preparación del actor, pero Chéjov buscaba también un estilo más perfecto de comunicación con el público. Soñaba con una forma de actuación que incluyera un componente más amplio y más profundo, más cercana a la religiosidad extasiada de los antiguos griegos que al mezquino comercialismo y a la politiquería del teatro de la Rusia de la época.

    Su teatro ideal consistía en unir la verdad interior y la profundidad emocional del sistema de Stanislavski con la belleza y el impacto visual de la obra de Steiner (perfección en la ciencia del lenguaje visible tratando de transformar el sonido y el color en movimiento mediante danzas espirituales).

    El trabajo en su estudio se basaba sobre todo en sus experimentos sobre el desarrollo del personaje. Chéjov rara vez preparaba una clase. Sobre la base de su propio inconsciente colectivo o étnico, los estudiantes trataban de reencarnarse como sus personajes. La técnica de Chéjov se basaba principalmente en imágenes, especialmente en imágenes viscerales, que pasaban por alto los procesos mentales complicados. Por ejemplo, en vez de decir al actor que se relajase (concepto abstracto: ¿por dónde empiezo?, le decía que “caminase con un sentimiento de facilidad”. Otro ejemplo: en vez de decir que se sentase erguido le decía que “pensase hacia arriba”. Chéjov adiestraba a sus estudiantes para encontrar estímulos externos, ficticios, al margen de sus experiencias personales que pudieran avivar sus emociones y sus imaginaciones (el halo de misterio y las atmósferas). La estimulación sensorial provenía de la creación de atmósferas y cualidades, o expresiones externas que, al sumarse al movimiento, provocaban los sentimientos representados por los gestos.
  • El Método de Lee Strasberg
    El Método es una versión de la técnica de Stanislavski popularizada en Nueva York por el Group Theatre, un colectivo de teatro formado en 1931. Consiste en un conjunto de técnicas desarrolladas para que los actores y actrices creen en sí mismos los pensamientos y sentimientos de los personajes a los que interpretan.

    Su vocación pedagógica lo convirtió en uno de los principales impulsores de lo que se conoce como "El Método" inspirado en el Sistema Stanislavski.

    La actuación de método, llamada generalmente el Método, es un conjunto de técnicas de actuación teatral desarrolladas a partir del sistema Stanislavski. De acuerdo con el director de escena Harold Clurman, es tanto un «medio de entrenamiento de los actores como una técnica para el uso de los actores en su trabajo en papeles». Esta técnica combina el trabajo sobre el papel, con énfasis en la investigación y experimentación de la vida del personaje, y el trabajo sobre uno mismo, haciendo hincapié en la implicación personal del actor y su responsabilidad respecto a la memoria, experiencia y visión del mundo.
    Lee Strasberg sostiene que todos los grandes actores «trabajan en dos esferas: el trabajo del actor sobre sí mismo y el trabajo del actor sobre el papel». En el proceso de este trabajo, «un aspecto del arte del actor puede enfatizarse temporalmente a expensas del otro, pero antes de que se pueda crear una imagen convincente sobre el escenario ambos deben ser dominados».

    La actriz Stella Adler hace notar que el actor tiene que ponerse en las circunstancias de la obra y trabajar desde sí mismo. En sus palabras: «Define la diferencia entre tu comportamiento y el del personaje, encuentra toda justificación para las acciones del personaje, y luego continúa desde ahí para actuar desde ti mismo, sin pensar dónde termina tu acción personal y empieza la del personaje»
    En 1949, comenzó una larga carrera en el Actors Studio de Nueva York, convirtiéndose a los dos años en su director artístico. Bajo su tutela se cuentan actores como Geraldine Page, Paul Newman, Al Pacino, Kim Stanley, Marilyn Monroe, Jane Fonda, James Dean, Dustin Hoffman, Eli Wallach, Marlon Brando, Eva Marie Saint, Robert De Niro, Jill Clayburgh, Jack Nicholson, y Steve McQueen.

    Como se dijom él se desarrolló en profundidad por Lee Strasberg en el popular Actors Studio en los años 40 y 50. En la actualidad el Actors Studio está dirigido por Al Pacino, Ellen Burstyn y Harvey Keitel y por sus clases han pasado centenares de actores y actrices de Hollywood.

    En 1966 fundó una sucursal del Actors Studio en Los Ángeles, y tres años más tarde fundará el Lee Strasberg Theatre and Film Institute.
    En 1994 se estrenó en BravoTV una serie llamada “Inside the Actors Studio” en la que James Lipton entrevistaba a actores, guionistas, directores y a algún que otro compositor. Las entrevistas son bastante largas para que así los entrevistados “dejen de ser estrellas y se transformen en artistas y maestros”, según un reportaje del New York Times.

    Sólo interpretó roles destacados en unas pocas películas. Probablemente su interpretación más famosa (y que le significó la nominación al Oscar) fue en la segunda parte de El Padrino, donde encarnó a Hyman Roth, un mafioso judío jubilado que supervisaba desde Miami el crimen organizado de Cuba.

  • Técnica Meisner
    También parte del Group Theatre,  el actor Sanford Meisner se convirtió en un teórico de la interpretación y su influencia ha sido decisiva en el mundo de la actuación actual. No son pocos los actores y actrices que siguen su metodología.

    Uno de los ejercicios más importantes de la Técnica Meisner es la “Repetición”, en la cual una persona empieza a hacer un comentario basado en otra persona que tiene enfrente. El comentario se repite una y otra vez hasta que la reacción cambia de manera natural en lugar de hacerlo mediante la manipulación.

    Por ejemplo, una actriz y un actor se dirigen comentarios del estilo: “Eres muy guapo.” “Soy muy guapo.” “¡Eres muy guapo!” “¡Sí, soy muy guapo!” Los actores observan y se adaptan hasta que el intercambio surge de forma natural, “cogen impulso” y trabajan de manera espontánea.

    Meisner destilo el sistema Stanislavsqueno a unas pocas reglas elementales. Las mas importantes siendo: vivir con verdad bajo circunstancias imaginarias, concentrarte en el otro actor, y aprender a escuchar.

    La Técnica Meisner, hoy por hoy, es considerado el proceso mas efectivo para entrenar a actores cinematográficos. Esto es porque está basada en usar la intuición cuando se actúa, y con gran énfasis al minimalismo actoral. Los estudiantes trabajan en pequeños grupos (12 a 16). Con una pareja, y guiados por el instructor, experimentan usando textos e improvisaciones. Al final, y en muy poco tiempo, logran un profundo entendimiento de ellos mismos, y producen un instrumento actoral capaz de crear “verdad” bajo circunstancias imaginarias.  Tambien se considera la MEJOR tecnica para un actor que inicia su entrenamiento.  Esto es porque la tecnica Meisner te pone en contacto con tu esencia individual, y te enseña los elementos basicos de la actuación como escuchar, concentración, comunión escenica y sobre todo…. vivir momento a momento.  Todo esto partiendo desde TU PUNTO DE VISTA, y con TU PROPIA VERDAD.
    Algunos actores, entre muchísimos, preparados por la Técnica Meisner: Robert Duvall, Kathy Bates, Kim Bassinger, William Hurt, Diane Keaton, Jeff Goldblum, John Malkovich, Michael Douglas, Mary Steenburgen, Catherine Zeta Jones. De estos diez actores, ocho han sido galardonados con el codiciado Oscar.
  • Stella Adler
    Stella
    fue la única actriz estadounidense que recibió clases del mismísimo Stanislavski. También perteneció al Group Theatre junto a Lee Strasberg y Sanford Meisner.

    En 1949 funda la escuela de interpretación “Stella Adler Conservatory of Acting” que todavía está en funcionamiento. Su metodología se basa en crear personajes a través de la imaginación, en contraste con la de Strasberg y el Método que enseñan a usar la memoria para definir al personaje. Marlon Brando la consideró la mejor maestra interpretativa que tuvo, junto con Elia Kazan.


    Uno de los puntos es que se enfoca Adler quien fue una actriz formada en las tablas, no en la escuela, es en dejar claro que uno u otro método de formación es valido,  lo que realmente diferencia una carrera de otra es la ambición enfocada en la ejecución, y es enfática que un artista debe romper sus limites no ser conformista:

    " los jóvenes actores de hoy tienden a ser minimalistas. Buscan proteger sus pequeñas emociones de manera que se sienta confortable en su sillita, en sus pequeños blue jeans,y dando una mirada a su pequeño mundo que se extiende de derecha a izquierda"

    "Se confina a si mismo a ritmo de su generación, encadenandose a los limites de la esquina de su calle,y deslindandose de cada objeto o periodo que no contenga su pulso.

    El resultado de esto es una falta de respeto al mundo en general y un desconocimiento de todo aquello que no sea reconocible dentro de su cotidianidad.... Es tiempo de quitarse la venda de los ojos"

    "Voy a darles un gran secreto. Ningún actor alcanza el éxito a menos que sienta dentro de si mismo, mientras el viva, que es bueno"

    Nada sustituye este sentimiento, ni el aplauso, ni el dinero, ni la fama. Esa confianza nos dice Adler es lo que ella busca que cada alumno alcance de manera que no necesite ni de maestro ni de personas, puedes colaborar con el director, pero nunca puedes decir, "ayudame"

    El metodo, sistema debe darte seguridad, la tecnica debe darte seguridad, el sentido de sus clases es ayudar a alcanzar esa independencia- decía Adler.

    Luego entra en lo que quizás era su única handicap , El método, que hizo famoso Lee Strasberg, y del cual ella disentía por razones mas de cultura teatral que por diferencias importantes con Strasberg. Pero nos refiere a Stanislavsky , para desmitificar un poco la idea de la formación del propio Stanislavsky basandose en sus libros y el conocimiento que ella tenía del maestro, En ese sentido Stanislavsky no sería un actor del metodo, pues su escuela estaba basada en la comedia del arte,la opera etc, donde la VOZ era protagonista. Stanislavsky se preocupaba enormemente por la dicción, algo no tan importante para algunos actores y actrices del método, sobre todo en el cine y televisión donde se busca un realismo en el lenguaje. Y cuenta una anécdota de un actor del método, que se acerco a ella diciendo esas palabras con una dicción balbuceante. Ella dice le dijo:" fuera de aquí , no lo quiero alrededor, esta demasiado corrompido". Es claro donde comienzas las divergencias que tiene Adler  con Strasberg, son de forma no de contenido  ni realmente de técnica actoral. Sino de formación de la voz,dicción y tipo de teatro. Si Strasberg hubiese aplicado la misma reflexión que Adler, hubiese también dicho con razón algo así como: - fuera de aquí usted no parece real, con esa dicción tan perfecta. 

    Las razones de Adler son que busca dar la mejor formación para un actor que ambiciones las grandes partes , los grandes personajes, fue el mundo en que ella se formo.

    "El actor tiene que desarrollar su cuerpo. El actor tiene que trabajar en su voz, pero la cosa más importante en la que tiene que trabajar es en su mente"

    Adler nos habla de un actor que debe desarrollarse para actuar lo extraordinario, y desde esa grandeza interpretar lo ordinario, pero que lo contrario no es posible. Dedica mucho tiempo a recalcar que un actor de teatro tiene que interpretar en un lenguaje de grandes maestros, pro ello requiere convertirse, aspirar a la grandeza y profundidad de los maestro. Nos inicia en una primera cualidad a desarrollar y es la observación, desarrollar la mirada artística. 

    "Quiero comenzar a inculcarles el habito de mirar las cosas, y escribir aquellas que les gustan y las que les disgustan, y que lo hagan cada día.... Después de pocas semanas quiero que incorporen el porque les gustan o disgustan esas cosas....asi comenzaran a descubrir cosas acerca de su percepción y sus gustos"

    "El sentido crítico, el conocimiento de ti mismo, la disciplina y el autocontrol, son demandas u objetivos sobre los cuales trabajaremos, pero ninguna de ellas importa sino hay energía.Debes desarrollar la energía necesaria para el escenario. debes trabajr en ello,Dios solo no puede dártelo"

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